“Un pasado distante” (Colmillo Blanco, 2024), del escritor y publicista Jairo Morales, es un libro entrañable que habla del primer amor, de los amores que permanecen grabados a fuego en nuestra memoria y que siguen latiendo siempre en un rincón de nuestro ser. La novela narra la historia de un muchacho de 17 años y de Rebeca Bendayán Loayza, una chica alta y hermosa, un poco mayor. Ambos se conocen en una reunión de jóvenes realizada alrededor de una piscina durante un verano loco de la ciudad de Iquitos del año 2002. Ni Rebeca ni el protagonista saben muy bien qué hacer con sus vidas cuando se inicia la historia, solo saben que necesitan un poco de calma para pensar y vaya que la consiguen estando juntos. Desde el principio caen en la cuenta de que vibran en la misma frecuencia y que el mundo y sus vericuetos adquieren sentido solo si permanecen unidos. Sus encuentros son esporádicos y divertidos, leen los mismos libros, gozan de la buena música y hablan de sus vidas, en un ritmo narrativo que por momentos recuerda al de la trilogía “Before”, de Richard Linklater. Rebeca es una chica desenvuelta e inteligente, su belleza atrae irremediablemente al narrador y lo lleva incluso a pensar en una vida junto a ella. Comparten cosas nimias, como una hamburguesa, un helado, una charla en una cafetería o un disco de música francesa, comparten pequeños detalles que los van acercando irremisible y tenazmente. El lenguaje del autor es diáfano y puede seguirse con una facilidad y placer que son de agradecer. El ritmo de los diálogos es perfecto, las frases están vivas y son fuertes, y escarban además en el corazón del lector que echa una mirada a su propia juventud, a ese tiempo en el que era capaz de cortar con todo: patria, familia y hasta un amor, con tal de perseguir sus sueños. Tanto el narrador como Rebeca tienen la llave del futuro del otro, y es que a veces hay encuentros con personas o cosas, que, aunque son fugaces y tórridos, marcan nuestras existencias para siempre. La novela nos lleva a pensar en la fragilidad de la vida, pero al mismo tiempo en la inmortalidad de los buenos recuerdos, de esos que nos impulsan a seguir adelante cada vez que el mundo nos golpea. El estilo del autor aparece ya cuajado y despierta en quien lo lee muchas ganas por continuar devorando obras suyas. En cierta forma, su estilo recuerda al lenguaje minimalista de Hemingway, además de contar con frases cortas pero vigorosas que lo acercan a la literatura norteamericana de la primera mitad del siglo XX. En verdad su lenguaje hipnotiza y trae consigo una extraña calma. En lo único que disentimos es en la forma en que el personaje de Rebeca resuelve un conflicto vital hacia el final de la obra. Por lo demás, los amantes del jazz, de la bossa nova y del buen café estarán de plácemes. Pueden encontrar la novela en las librerías El Virrey, Communitas, Buscalibre, La Rebelde, Sur, Librería PUCP y Book Vivant.

A inicios de febrero, falleció el columnista más brillante de la sección Cultural del diario Expreso: Raúl Mendoza Cánepa. Lo conocí el 2018, cuando iba a lanzar mi tercera novela (“Génesis. Crónica de una familia”) y les envié el PDF a decenas de periodistas un mes antes de publicarla, por si podían anticipar algún comentario en sus respectivos medios. Todos me respondieron que preferían ver el libro impreso y no leerlo en la pantalla de una computadora, todos menos Raúl, que no solo leyó la obra, sino que hizo una elogiosa reseña sobre la misma e incluso dijo que “Génesis” tenía las características del “boom” de los sesenta. A mi editor le gustó tanto esta opinión, que la incluyó en la contraportada del libro y, cuando “Génesis” al fin fue publicada, fui a la Defensoría del Pueblo, en el Cercado de Lima, para obsequiarle un ejemplar a Raúl. Llegué seis minutos tarde de la hora pactada y como él era tan puntual, ya no lo encontré en la puerta de su trabajo. Mi buena estrella quiso que continuara caminando por el jirón Ucayali, mientras iba hablando conmigo misma en voz alta: “¡Pero si me dijo que iba a esperarme en la puerta!”, iba yo susurrando en plan gruñón, “¡dónde está!”. Un señor que iba delante de mí volteó a mirarme y vi que era Raúl. Trágame tierra, pensé, al darme cuenta que quizás me había escuchado, pero él me saludó con una sonrisa enorme y me tendió la mano. Se le veía muy elegante con un sobretodo negro y una bufanda anudada. Le sonreí a mi vez y le entregué muy contenta mi librito, dándole las gracias encarecidamente por la reseña que adornaba una de las tapas. Me dijo que no era nada, que el libro le había encantado. Recuerdo de manera nítida la impresión profunda de bondad que me produjo su rostro, todos sus gestos transmitían una paz que casi se podía palpar. Uno se sentía seguro con él. Sabías que estabas frente a una persona sincera y cordial. Nos despedimos, pues él disponía solo de algunos minutos para almorzar y lo vi ingresar a un Tambo situado a unos metros y comprar una bebida y un sándwich, siempre con su porte calmo y sereno, hasta que su figura alta y elegante desapareció de mi vista.
Él decía que cada vez que deseaba algo, lo imaginaba antes en sus más mínimos detalles. Por ejemplo, si quería trabajar en algún diario, se imaginaba a sí mismo trabajando ya en las oficinas del periódico y visualizaba cómo todo le iba bien, sin ningún tropiezo. Decía que ese truco mental le había servido siempre para materializar y conseguir cuanto se había propuesto. Dijo tantas maravillas, que enseguida puse en práctica su método, pero con escasos resultados. Raúl tenía un don mágico del que yo carecía, no solo por sus trucos mentales y disciplina, sino por su don de llegar al corazón de la gente y de ser generoso a manos llenas. Te recordaremos siempre como lo que fuiste: un caballero, un intelectual que se mantuvo brillando en el cielo limeño, durante un tiempo corto pero preciado. Descansa en paz, Raúl, gracias por el regalo infinito de tu amistad.

Por Evelyn García Tirado 

En la obra “Por qué escribo y otros ensayos sobre libros”, de George Orwell, (Centro de Desarrollo Editorial, 2025), traducida por Katherine Pajuelo Lara, se han reunido cinco ensayos del autor, publicados en distintos magacines y revistas británicos. En el ensayo “Los buenos libros malos” (1945), se indica que existen obras que a pesar de no tener ninguna pretensión literaria perduran en el tiempo, son libros de evasión, que no tienen nada qué ver con la realidad pero que le ofrecen un espacio cómodo a la mente. Entre ellos, se encuentran los relatos de Sherlock Holmes, los relatos que hacen referencia a hechos crueles, vulgares o sórdidos o a sucesos autobiográficos. El autor agrega que hay libros que nuestro intelecto rechaza pero que nos entretienen o nos empujan netamente al mundo de los sentimientos. Ejemplos de “buenos libros malos” serían: “Las minas del rey Salomón”, “Drácula” o “La cabaña del tío Tom”, esta última novela es, según Orwell, excesivamente dramática, ridícula e ilógica, pero, al mismo tiempo, es veraz y conmovedora, a un grado que ni los mismos escritores geniales a veces pueden alcanzar.
Enseguida, Orwell señala en su ensayo “¿Por qué escribo?” (1946), que el hecho de haber visto poco a su padre durante su infancia y niñez hizo de él un muchacho solitario que, a causa de sus manías, como la de inventarse amigos imaginarios, era despreciado por los demás. Agrega luego que sentía un odio natural hacia la autoridad (quizás de una manera inconsciente reflejaba aquí su aversión hacia la figura paterna) y en su juventud y adultez rechazó el imperialismo y el totalitarismo, por lo que expresó desde la década de 1930 un fuerte apoyo (lo cual se refleja en todo lo que escribe en adelante) hacia el socialismo democrático. Su instinto político lo lleva a escribir sobre los temas del momento como la Guerra Civil Española, que pueden resultar estéticamente bellos si es que el autor encuentra una técnica y un tono adecuados.
Escribir una novela, afirma Orwell, es una tarea horrible y desgastante por todo el trabajo que conlleva y, por lo mismo, no debe llevarse a cabo si es que el autor no está motivado por un demonio al que no consiga resistir o al que no logre entender (quizás porque representa un aspecto profundo de su personalidad o de su inconsciente). Para Orwell este demonio puede significar el instinto que tiene el artista de ser reconocido o de parecer inteligente, esta clase de autor vive solo para sí mismo, desarrollando su talento, en lo que para Orwell es una clara muestra de egoísmo.
Si desean leer esta joya, pueden hallarla en las librerías: Desdémona, Librería del Centro, Sur, El Virrey, Book Vivant, Heraldos Negros y Vallejo.

Por Evelyn García Tirado

Escuchar la música de Leo Dan me lleva a los días de mi infancia, en los que mi padre ponía sus discos mientras mis hermanas y yo desayunábamos antes de ir al colegio. Tomábamos el desayuno, en tanto, desde el tocadiscos o la casetera, la voz dulce y tierna de un muchacho nos hacía confidencias, y, por medio de susurros o al borde del llanto, nos hablaba de amores idos, casi siempre desdichados.
Leo Dan, un humilde jovencito de origen quechua, diaguita y gaucho, nació en 1942, en la provincia de Santiago del Estero, en el norte de Argentina. A los 4 años comenzó a tocar la armónica y la flauta, a los 11 ya sabía tocar la guitarra, y a los 17, gracias a un amigo que lo animó a ello, empezó a componer melodías de los más diversos géneros al piano. A los 20 años, luego de audicionar para la CBS (Sony Music), en Buenos Aires, lanzó la canción “Celia”, que sería su primer éxito en la radio. Cuenta el mismo artista que, por entonces, iba en un colectivo por las calles de la capital, cuando, de pronto, escuchó que anunciaban la balada “Celia” en la radio. Leo Dan no aguantó más y le dijo al hombre que iba a su lado: “El que está cantando soy yo”. Y el hombre lo empezó a mirar como diciendo: “Sí, nene”. Cuando Leo bajó del ómnibus le hizo adiós al hombre y él le dijo: “¡Chau, Sinatra!”. “¡Gracias!”, respondió Leo, y el hombre agregó, riéndose: “¡Sinatracción!”, sin imaginar que ese jovencito con acento norteño iba a vender en todo el mundo 100 millones de discos y que sus composiciones iban a ser traducidas al inglés, francés, italiano, portugués, alemán, japonés y al turco.
La balada que lo llevó a realizar su primera gira fue “Cómo te extraño, mi amor”, la cual compuso inspirado en una periodista brasileña cuyo nombre era Soraya, a la que solo vio una vez. Con este hit pudo viajar a México, país al que volvió con el éxito “Te he prometido”, una melodía que compuso en 1969, al recordar a una muchacha llamada Cristina, de la que se había enamorado a los 16 años. Cristina lo invitó a su quinceañero y en medio de la fiesta le dijo: “Te presento a mi novio”. A lo que el cantante respondió, muy serio: “Te prometo que voy a tratar de olvidarte”. Esta balada sonó en la entrega de los Oscar y de los Globos de Oro de 2019, ya que era parte del soundtrack de la película “Roma”, del director Alfonso Cuarón. Apenas Harrison Ford, presentador de la gala de los Globos de Oro, escuchó la voz de Leo Dan, dijo: “Quiero tener todos los discos de ese señor”. Y al día siguiente, llamó a la Sony Music para pedir que le envíen toda su discografía.
Tanto por su bondad proverbial como por su talento fuera de serie, Leo Dan será recordado siempre y adorado como una de las voces que supo retratar de manera exacta la tristeza y los dulces delirios del amor.

Hugo Sotil, el ícono del fútbol peruano, el hombre de figura maciza, de piernas de roble, el que entusiasmó hasta el delirio a la hinchada peruana y extranjera con su juego inteligente y veloz, con su dribling endemoniado, con sus toques rápidos y su juego colectivo.

Un amigo de mi padre vino a nuestra casa en 1968 y le dijo: “Hay un cholito que la está rompiendo en el Municipal, agarra la pelota y la destroza, la descose”. Mi padre no le creía, pero su amigo se lo llevó al estadio de San Martín de Porres y de arranque mi papá se dio cuenta que Sotil era una estrella. Hugo se iba por la punta izquierda y dribleaba a todo el mundo o habilitaba a uno de sus compañeros con pases rápidos y perfectos, o él mismo anotaba gol tras gol. La gente no lo podía creer. Con Sotil, Municipal regresó a la primera división.

Perú había clasificado al mundial del 70 y la gente pedía de una manera desaforada a Sotil, pero el entrenador Didí no iba a verlo jugar, hasta que el maestro Roberto Chale lo vio en el Nacional y declaró que Sotil jugaba mejor que cualquier miembro de la selección. A Didí no le quedó otra alternativa que convocarlo. Se jugó un amistoso contra Bulgaria antes del mundial, y como la gente reclamaba la entrada del “Cholo”, Didí lo llamó en el segundo tiempo, cuando íbamos perdiendo 3 a 0. La gente decía: “Ahí sale el ‘Cholo’, pero parece que lo quieren quemar con el score en contra”. Entró Sotil y a los búlgaros los agarró de lornas, a los diez minutos metió un gol, luego habilitó a Chale y a Cubillas y se vinieron dos goles más, enseguida Sotil se escurrió por todos lados, dejó congelados y regados por el piso a los búlgaros y metió dos goles al hilo en solo cuatro minutos, con los que ganamos 5 a 3; la gente se moría de gozo.

Sin embargo, Didí no incluyó a Sotil contra Bulgaria en el primer partido del mundial. Cuando los búlgaros ingresaron a la cancha, buscaron a Sotil hasta debajo del gramado y estaban gratamente sorprendidos de no encontrarlo. Nos fuimos al entretiempo con un gol en contra. Las tribunas coreaban el nombre del “Cholo” y Didí lo puso en la cancha en lugar de Baylón. Los búlgaros se pusieron pálidos. Desde el inicio, Sotil hizo lo suyo: aplicar velocidad física y mental en todas sus jugadas, era una máquina de goles, lo que para los demás era un esfuerzo arduo, para él, un genio, era solo un juego. Metimos tres goles contra Bulgaria y el pueblo recuperó el ánimo a solo dos días del trágico terremoto de 1970.

Luego lo fichó el Barcelona, y aunque solo estuvo cuatro años (de 1973 a 1976), los españoles lo recuerdan como lo que es: una leyenda del fútbol mundial.

Querido “Cholo”: probablemente, nunca aparezca en el panorama futbolístico peruano alguien con tu talento, por eso te recordamos con orgullo pues ubicaste el nombre del país en lo más alto del podio. Descansa en paz, maestro.

Nota: Este artículo lo escribí gracias a los recuerdos y a la chispa de mi padre, Héctor García Egúsquiza.

En el libro “Ribeyro en dos ensayos”, del maestro Miguel Gutiérrez (Centro de Desarrollo Editorial, 2024) se recorre la obra de uno de nuestros mayores exponentes literarios, tratando de encontrar elementos que hermanen la variedad de sus cuentos y, dentro de sus novelas, se analiza los aspectos que las ligan a la tradición narrativa de América y Europa.

En su primer ensayo sobre el trabajo de Ribeyro, llamado “El cuentista”, Gutiérrez apunta a que Julio Ramón Ribeyro concibe el Perú como una nación que no ha logrado amalgamar sus diversas vertientes, por lo que ha fracasado como país, pues sus individuos se encuentran ante un pasado poderoso, pero ante un futuro sin perspectivas, y su existencia transcurre en una suerte de viaje circular en el que todo se repite. Para Miguel Gutiérrez, Ribeyro es el mayor exponente de la generación del 50, ya que considera que Vargas Llosa se ubica en el límite de esta generación y la siguiente. Incluso se postula en el libro que Ribeyro es uno de los mejores cuentistas del siglo XX, junto a García Márquez, Rulfo, Cortázar, Onetti y Borges, porque ha logrado retratar la historia de fracasos de nuestro país de una manera tal que muchos lectores se ven reflejados en sus ficciones. Gutiérrez afirma que Ribeyro muchas veces no está considerado entre los cuentistas más resaltantes de Latinoamérica, debido a su lenguaje clásico y tradicional e incluso costumbrista y a que no ha elaborado una nueva forma o estructura cuentística, como sí lo ha hecho Borges, que creó un género entre la ficción y el ensayo, dirigido a intelectuales y filósofos, y que se encuentra lejos de todo sentimentalismo. Esto último lo hereda Ribeyro, quien no es enfático ni patético y recurre a la ironía y al distanciamiento.

En su segundo ensayo sobre Ribeyro, denominado “El novelista”, Gutiérrez sugiere que, normalmente, una gran novela siempre inspira otras, por lo que encuentra similitudes soterradas entre “La montaña mágica” de Thomas Mann y “Crónica de San Gabriel” de Ribeyro, sobre todo, porque ambas aluden a la decadencia de una cultura y de una nación. También por estar a caballo entre la novelística del siglo XIX y la novela moderna del siglo XX y por contar ambas con un bagaje ideológico y filosófico importante. Sin embargo, la novela de Mann fue escrita con un tono majestuoso no exento de ironía en ciertos pasajes, en tanto la obra de Ribeyro posee un tono intencionadamente menor, por el descreimiento y escepticismo de su autor.

Una de las razones por las que “Los geniecillos dominicales” no es una gran novela, según Gutiérrez, es su tono permanentemente burlesco o de farsa, que lleva al narrador a encontrar algo risible incluso en los momentos más trágicos de la historia. El tono de otra de las novelas de Ribeyro, “Cambio de guardia”, también le juega en contra, pues al tratar de relatar diversos episodios de la realidad nacional de un modo objetivo y excesivamente documental, provoca que los personajes sean planos y la obra se vea limitada en lo artístico y humano.

Pueden encontrar “Ribeyro en dos ensayos” en las librerías Book Vivant, Desdémona, Librería del Centro, Librería Sur, El Virrey, Communitas, La Rebelde, Vallejo y Librería Heraldos Negros.

“Canción de Navidad” es una novela corta del aclamado escritor británico Charles Dickens, que habla de la vida austera y amarga de un anciano llamado Ebenezer Scrooge, quien vive en la ruidosa City de Londres. Ebenezer ha dedicado su existencia a recaudar la mayor cantidad de dinero posible, a causa de la atracción que ejercen sobre él el poder y el brillo del oro. Le encanta hacer valer su autoridad frente a sus conocidos y empleados, a quienes trata con desprecio y con un malhumor irritantes. Lo único que le fascina y enloquece es el dinero, pero no lo gasta ni siquiera en sí mismo, ya que, con tal de seguir amasando fortuna, prefiere comer gachas de avena en las noches y no alumbrar con carbón la oficina en la que trabajan él y su dependiente (Bob Cratchit) y mucho menos calentar el lugar en pleno invierno. Esta vida monstruosa y despótica lo lleva a ser odiado y maldecido por casi todos cuantos le conocen. Sin embargo, en la Nochebuena de 1843, le visita el fantasma de su antiguo socio, Jacob Marley, el cual está condenado a vagar por el mundo durante años, arrastrando pesadas cadenas, en castigo por su increíble avaricia. El fantasma le advierte a Scrooge que, si no quiere verse en su misma situación, deberá redimirse y para ayudarle a ello le visitarán, uno tras otro, tres espíritus (los cuales parecen evocar a las tres parcas de la mitología griega).

El primer espíritu le muestra a Ebenezer su infancia pobre y solitaria, donde su única distracción eran los personajes de los libros a los que tenía acceso en una escuela que se caía de vieja. De niño, Ebenezer no tenía una buena relación con su progenitor, lo que tal vez sea una alusión al padre de Dickens, un hombre que hundió a su familia en un mar de deudas, por las que el pequeño Charles tuvo que empeñar incluso su colección de libros, que era su tesoro.

El segundo espíritu lleva a Scrooge a visitar a su dependiente, Bob Cratchit. Ebenezer puede ver en el hogar de este hombre pobrísimo cómo toda su familia se prepara con sus mejores ropas (aunque estuviesen raídas) y mostrando un ánimo impecable, para la celebración de la Navidad, la cual festejan con un sencillo banquete aderezado con mucho cuidado. El ángel de este hogar es un niño de cinco años, inválido, llamado Timothy, quien padece con admirable coraje sus enfermedades.

El tercer espíritu muestra a Ebenezer su propia muerte, tal como podría si no se reforma, en medio de la desolación y el abandono, ya que nadie acude al lecho en el que agoniza e incluso antes que emita su último suspiro, sus criados se disputan sus prendas, despojándolo hasta de la camisa que llevaba puesta. Todo esto hace reflexionar a Scrooge sobre la vida egoísta que lleva y le impulsa a utilizar su fortuna en procurar la felicidad y la salud de quienes le rodean, pues entiende que el único tesoro que un hombre posee sobre la tierra es el amor y el respeto que le prodigan su familia y amigos.

El musical histórico “La Mariscala”, escrito por Gonzalo Polar, María Elena Arce, Claudia Núñez y Jorge ‘Chino’ Sabogal, y dirigido por Mateo Chiarella y Lucho Tuesta, refleja el convulso panorama político de la primera mitad del siglo XIX en nuestro Perú, donde la cusqueña Francisca Zubiaga y Bernales crece en medio de levantamientos y rebeliones contra la Corona española, que sirvieron de base para lograr la independencia del Perú en 1821. Francisca (interpretada por Alejandra Egoavil, quien cuenta con una voz maravillosa) es una mujer fuerte, con mucho carácter y con un poder de mando y habilidad tan grandes que la llevan a los estratos más altos en nuestro país. Casada con el mariscal Agustín Gamarra, es una columna muy sólida en el camino de este a la presidencia. Incluso Gamarra, al advertir su capacidad de liderazgo y destreza, permite que ella le releve durante prolongados periodos de tiempo, tanto al mando de las tropas como tomando las riendas del país. Como hace dos siglos no era bien visto que una mujer dirija un ejército y ya no digamos un país, Francisca enfrenta la mar de contratiempos por parte de figuras políticas como el vicepresidente Antonio Gutiérrez de la Fuente (encarnado de manera solvente por el actor y bailarín Pedro Ibáñez, quien está fenomenal en sus escenas, sobre todo, en las cómicas) y de la prensa limeña de entonces.

Resaltamos también al actor y cantante Matías Spitzer (como el militar español Bernardo Escudero y Reguera) quien presenta un registro dramático que sabe acompañar muy bien la fuerza insoslayable de la Mariscala.

Durante la obra, somos testigos de lo efímero que es el poder, pues la volubilidad del pueblo tan pronto se inclina por el encumbramiento de un líder como por la caída y debacle del mismo, no temiendo hacer burla de lo que antes alababa. Esto lo comprende muy bien Francisca, pero su voluntad de hierro la lleva a resistir la traición de su círculo más cercano, teniendo como consigna enfrentar siempre con la cabeza en alto las tragedias y el peligro.

La música de los talentosos Gonzalo Polar Pin y Jorge ‘Chino’ Sabogal tiene un nivel altísimo y las melodías son entrañables, inclinándose, según ha declarado Polar Pin, por un lenguaje musical contemporáneo, que incluye valses criollos, baladas, marchas (que incluso pueden formar parte de una misma canción), huaynos, rock, pop, etc. (el disco se encuentra disponible en las plataformas Spotify, YouTube, Apple Music y cuenta con su propia web www.lamariscalaelmusical.com).

La obra, de casi dos horas de duración, posee una banda instrumental de cuerdas y percusión en vivo, y ha obtenido diversos reconocimientos: el premio del Estímulo Económico para la Producción Discográfica del Ministerio de Cultura 2019, el premio Supay.pe 2022 a la Mejor Obra de Teatro, el premio Oficio Crítico 2022 al Mejor Espectáculo Musical y el Premio Artes Escénicas 2022 a la Mejor Obra de Teatro Musical, y va hasta el 15 de diciembre, de miércoles a viernes, a las 8 p. m.; los sábados a las 4 p. m. y 8 p. m. y domingos a las 7 p. m., en el Teatro NOS: av. Camino Real 1037 San Isidro. Entradas en Joinnus.

“Perro con poeta en la taberna”, de Antonio Gálvez Ronceros (Centro de Desarrollo Editorial, 2023) es una novela corta en la que el autor, con increíble virtuosismo, nos habla de la hilarante historia de un poeta limeño que es invitado a ofrecer un recital de sus versos en un local cultural de Huancayo. Imaginando ser dueño de un talento que al fin es reconocido y homenajeado, el poeta acude a la cita, envanecido, sin acordarse siquiera de llevar consigo la dirección y es ahí cuando el maestro Gálvez Ronceros abandona por un instante su tono irónico y burlón para pasar a referirnos cómo el protagonista busca el local cultural de marras hasta la madrugada, en medio de una atmósfera pesimista que lo aproxima a Julio Ramón Ribeyro. Pero el lector no cuenta con que el poeta encuentre, cuando ya se ha rendido casi, el lugar que buscaba y por añadidura a un perro raquítico en las inmediaciones que no solo le sonríe, sino que le habla muy suelto de huesos y le pregunta el porqué de la tardanza.

El autor utiliza una serie de cajas chinas o de historias dentro de la trama principal para darle profundidad y verosimilitud al relato, de manera que el lector olvida que un cuadrúpedo no posee el don del habla y se concentra para no perderse en el laberinto de historias que brotan de los recuerdos del perro parlante. Este es un personaje que ha sido trazado con mano magistral, pues resulta entretenido y ameno como pocos (la forma tan divertida en la que se le describe mientras pide licor a los meseros de un bar o echa unas monedas en las rocolas para escuchar sus discos de saxo y violín favoritos es en verdad deslumbrante). Narra además el perruno personaje una serie de anécdotas del mundillo literario limeño, sin dar, por supuesto, nombres. Los hechos que cuenta con desparpajo están unidos por un mismo hilo: el ego inconmensurable de un sinnúmero de creadores que se ven a sí mismos como genios y están más preocupados por publicitarse y no por pulir su talento.

En la parte final del libro, se reproduce una entrevista realizada por el poeta Jorge Eslava a Gálvez Ronceros, donde este último declara que desde niño se sintió atraído por lo que llama el “lenguaje de extramuros”, el cual utilizan los afrodescendientes que han sido peones en las haciendas y habitan en los confines de Chincha Alta, los que si bien son gente sencilla que no posee un vocabulario rebuscado, pueden describir el mundo por medio de símiles o de metáforas, logrando así un efecto más certero. El autor afirma que sus personajes son humoristas involuntarios, pues hacen reír al lector con sus peripecias existenciales, que se acercan a lo grotesco y a lo patético. Refiere, asimismo, que un escritor en sus obras describe su modo de ser y de ver el mundo y no hace una transcripción literal de lo que le rodea, lo cual sería acercarse al costumbrismo.

Si quieren disfrutar de esta fantástica joya literaria, solo tienen que acudir a las librerías Vallejo, Book Vivant, El Virrey, Estruendomudo, Communitas y Sur.

La comedia “¡Casa, llegué a cariño!”, de Laura Wade, dirigida por la genial Patricia Biffi, que cuenta con la traducción de Gonzalo Rodríguez Risco, es una obra que representa muy bien la cotidianeidad de una pareja, al punto que más de uno se sentirá identificado con las escenas de humor, ternura y tensión que existen en toda convivencia diaria. La protagonista es Judy (interpretada de manera magistral por la siempre deslumbrante Karina Jordán), una mujer de 38 años, quien odia el ambiente espantoso que impera en su oficina, a pesar de ganar muy bien. Como su esposo Johnny (caracterizado por Sebastián Rubio, que realiza una performance fenomenal) gana lo suficiente para ambos, Judy desea renunciar a su empleo y quedarse en casa para llevar una vida tranquila, rodeándose para ello con todo tipo de vestidos, accesorios, utensilios, muebles y artefactos provenientes de los años cincuenta, una época dorada en el mundo, debido al lujo y esplendor visual y también a la estabilidad social. Esta especie de cajita de ensueño en la que se encierra funciona muy bien al inicio, pero luego surgen algunos contratiempos y desavenencias que marcan su vida en común con Johnny.
La química actoral que existe entre Karina Jordán y Sebastián Rubio es perfecta, forman una dupla ideal en escena, pues se complementan de forma maravillosa. Laura Wade parece querer decirnos que la vida en pareja se vuelve difícil si es que no se habla con sinceridad de lo que nos incomoda, sabiendo que eso mismo no va a cambiar del todo, pero negociando para atenuar al menos en parte nuestras imperfecciones. Sin embargo, si se trata de un amor fuerte y sincero, eso bastará para sobrellevar con paciencia cualquier adversidad. Las escenas donde ambos se sientan a conversar para decidir si continúan juntos o no son electrizantes.
Se enfoca la vida matrimonial de Judy desde el punto de vista del feminismo, el cual alega que ser ama de casa desperdicia las capacidades intelectuales de una mujer, lo que dista de ser cierto, pues no existe un trabajo más agotador, en lo intelectual y en lo físico, que el doméstico. También se postula que a partir de los sesenta hubo una liberación de las mujeres, gracias a la lucha a favor del aborto pero no se puede concebir como una liberación la partida de un inocente.
Judy quiere ser la esposa ideal que mantiene todo limpio y brillando (su hogar parece una casita de muñecas) cocinando los platillos y pasteles más deliciosos y manteniendo una apariencia llamativa en su modo de vestir, pero su esposo le confiesa que esa perfección ha llegado a cansarlo y que él solo quiere tirarse todo un domingo con ella en la cama para ver películas o comer pizza.
A lo largo de la obra y en los entretiempos, se escucha música de grupos de rock and roll, rhythm and blues, y solistas de los años cincuenta y sesenta que hará las delicias del público.
Si desean pasar dos horas estupendas, solo deben acudir al Teatro Británico (jr. Bellavista 527, Miraflores) la obra va hasta el 1 de diciembre, de jueves a sábados a las 8 p. m. y domingos a las 7 p. m. Entradas en Joinnus y en la boletería del teatro.

Por Evelyn García Tirado